A su gusto
Soho Place, Londres
Los días oscuros de fin de año son el momento perfecto para reunirse a la luz de las velas para contar historias sobre la oscuridad vencida y la esperanza reavivada. Dos teatros de Londres ofrecen los espectáculos adecuados, ambos seductores y, en ambos, mujeres astutas usan su ingenio y sus palabras para dejar atrás los planes de un hombre tiránico.
Primero al Bosque de Arden de Shakespeare, donde Rosalind y Celia convierten el destierro de la corte en una forma de liberación, en una espléndida puesta en escena de A su gusto en el teatro Soho Place. Deslizándose en pantalones (Rosalind) y ropa rústica (Celia), las dos jóvenes nobles se transforman en Ganímedes y Aliena, con Rosalind saboreando la libertad de instruir, de incógnito, al desaliñado Orlando en los caminos del amor, y Celia mareada por la emoción de ser fuera de debajo del pulgar de su padre intimidante.
La bella e íntima producción de Josie Rourke disfruta de la calidez del auditorio circular, aportando a la puesta en escena la sencillez que a menudo se encuentra en el Shakespeare’s Globe y deslizándose hábilmente a través de la luz y la oscuridad de esta historia moteada. Hay poco paisaje; en cambio, el escenario está dominado por un piano de cola en el que se sienta el músico y compositor Michael Bruce, dando forma a la atmósfera con música y soportando pacientemente las frecuentes interrupciones de amantes enamorados que se arrojan sobre su piano en gestos dramáticos de desesperación o deseo.
El diseño de Rob Jones fusiona una estética isabelina con la actualidad. Los trajes (diseñados por Jones y Poppy Hall) envuelven a los cortesanos en brillantes versiones de alto concepto de gorgueras y corsés y envuelven a los fugitivos del bosque en deseables prendas de punto de tonos suaves.
Los cambios en la iluminación y la precipitación esculpen la estación y el estado de ánimo: un candelabro a la luz de las velas ilumina las escenas de la corte; resplandecientes hojas de otoño alfombran el escenario mientras los personajes llegan al bosque; la nieve cae suavemente sobre el cuerpo del fiel y anciano sirviente Adam mientras abandona esta vida (una actuación maravillosa de June Watson). Está claro que el bosque, como tantas veces en Shakespeare, representa tanto un espacio psicológico como físico, un lugar de potencial donde las personas pueden transformarse, revivir, convertirse en ellas mismas.
Y la mayor innovación en la producción de Rourke llega con la elección de Rose Ayling-Ellis, que es sorda, como Celia. El actor, conocido por muchos como el ganador de la BBC Estrictamente venga a bailar — aporta una apertura encantadora y soleada al papel y su relación con la vívida e inteligente Rosalind de Leah Harvey gana una nueva capa. La pareja usa varios lenguajes de señas para hablarse, lo que parece profundizar su vínculo afectivo.
El tema de la comunicación, ya presente en la obra, con las lecciones de Rosalind para Orlando, se enfatiza sutilmente, con subtítulos y lenguaje de señas entretejidos a lo largo de toda la producción. El tiránico padre de Celia, el duque Frederick (Tom Edden), se niega a firmar y ella se ve obligada a hablarle en voz alta; a menudo ve las trampas que se avecinan cuando Rosalind coquetea con Orlando, pero no puede advertir a su amiga, que tiene los ojos puestos en el premio.
Alfred Enoch es un Orlando cautivadoramente impetuoso, rebosante de terrible poesía y ferviente pasión; Gabriella Leon, que también es sorda, es una pastora maravillosamente obscena; y el extraño y desconsolado Jaques de Martha Plimpton se desliza a través de la acción, contrarrestando las vertiginosas historias de amor con una bien fundada melancolía sobre la brevedad de la vida. El ritmo caprichoso y el toque ligero de la producción significan que pierde parte de la reflexión y la línea directa de la pieza: se siente inconexa en algunos lugares. Pero esta es una puesta en escena alegre, y su rica diversidad de actores abraza el espíritu tanto de la obra como de este nuevo lugar.
★★★★☆
al 28 de enero de sohoplace.org
Desde la izquierda, Houda Echouafni, Roann Hassani McCloskey, Nadi Kemp Sayfi y Laura Hanna en ‘Hakawatis’ © Ellie Kurttz
Hakawatis
Teatro Sam Wanamaker, Londres
En Hakawatis, la nueva obra de Hannah Khalil en la diminuta cámara a la luz de las velas del Sam Wanamaker Playhouse, aporta una lúdica presunción autoral a la antigua historia de Scheherazade y su estratagema para evitar la ejecución a través de momentos de suspenso narrativos. Aquí, cinco mujeres, encerradas en un calabozo y esperando su turno para acostarse y decapitarse como las esposas del gobernante asesino, se dan cuenta con horror de que su salvador narrador podría desarrollar un bloqueo de escritor. Y entonces comienzan a crear historias entre ellos, llevándolos de contrabando a Scherezade y rezando para que sus palabras sean suficientes para aplacar el corazón de un rey vengativo.
Al principio, sus esfuerzos son vacilantes o repiten viejas fábulas, aunque con feroces argumentos sobre los detalles precisos. Pero poco a poco las mujeres encuentran sus voces y elaboran cuentos que hablan por y sobre ellas a través de la metáfora (varias de ellas escritas para este espectáculo por Hanan al-Shaykh, Suhayla El-Bushra y Sara Shaarawi). A través del velo de la narración vislumbramos infancias abusivas y matrimonios violentos. Las mujeres hablan sobre el arte de escribir —el uso del suspenso, la importancia de un gancho, el poder de la sugestión— y se encuentran tan atrapadas en una historia que la representan, olvidando las sombrías circunstancias de su encierro. Es fascinante, divertido, juguetón y, a menudo, sorprendentemente grosero.
Estas mujeres enfáticamente no son víctimas: son ingeniosas y resistentes. Si bien se definen por tipo —la guerrera (Laura Hanna), la bailarina (Houda Echouafni), la joven (Alaa Habib), la escritora (Nadi Kemp-Sayfi), la sabia (Roann Hassani McCloskey)— cambian a través de la experiencia. El luchador abrasivo de Hanna revela su vulnerabilidad; El ingenuo adolescente de Habib crece en confianza y claridad.
Más de esta definición antes sería bueno: la forma de la pieza es un poco embarrada y los personajes de las mujeres y las relaciones entre ellas tardan mucho en emerger. Algunas de las teorías sobre quién puede contar y definir las historias saltan con torpeza. Mientras tanto, la naturaleza circular y estática de la pieza y la falta de incidentes, si bien es una alternativa deliberada al corte y empuje de las narrativas basadas en la acción, lo convierte en un ritmo lento y, a veces, pegajoso.
Pero este sigue siendo un espectáculo sabio e ingenioso que celebra el poder de la imaginación y la fuerza colectiva de las mujeres, y está hábilmente presentado por un muy buen conjunto. La puesta en escena de Pooja Ghai (una coproducción con Tamasha) resalta el carácter lúdico de la narración y se deleita con el uso de velas en el lugar, con las mujeres pasando una vela al narrador de cada historia. También se reconoce silenciosamente la practicidad de las mujeres: mientras escuchan, a menudo lavan, ordenan o enjuagan la ropa.
El set de Rosa Maggiora adquiere el cálido brillo de una pintura antigua y todo está mezclado con música de la galería de arriba. Y finalmente, cuando la puerta de la celda finalmente se abre y las mujeres salen de puntillas, el espectáculo deja un signo de interrogación sobre sus próximos movimientos, que termina, como es correcto, en un suspenso.
★★★☆☆
al 14 de enero de shakespeareglobe.com
